一提到洛杉矶，绝大多数人都会马上想到“好莱坞”，这座以电影工业而闻名的美国西海岸城市，在“潮流文化”的全球版图中也同样占有着一席之地。近些年，潮流与艺术的距离在不断地拉进，“联名企划”已不再是品牌与品牌之间的合作，与艺术家的跨界更成为一种新的流行趋势。
来自洛杉矶的视觉艺术家Steven Harrington就是目前最炙手可热的跨界参与者之一。NIKE、KITH、AAPE、Beats By Dre、Colette等等这些潮人们所熟知的品牌都曾与他有过“联名企划”。
就在上个月，Steven联乘“菲董”的BBC ICE CREAM在纽约旗舰店发售最新的“Cosmic Cone Collection”，当时粉丝们在店外排队购买的情形，再次印证了Steven如今的火热程度。
Steven Harrington × BBC ICE CREAM纽约发售现场，2019
因为与潮流的频繁跨界，很多人会认为Steven是目前“潮流艺术家”一个的代表人物。但在西方，并没有一个准确的英文词汇与“潮流艺术”相对应；最贴近的“Pop-Art”实际上是“波普艺术”的指代词。如今“潮流艺术”在国内被大量地“滥用”，甚至有些艺术家会打着“潮流”的旗号去宣传自己。
而对于这种听上去有些“营销意味”的定位，Steven完全不在意，甚至连艺术家的身份，他也曾有过怀疑，正如他所说的那样：“艺术家听上去有一种完美的模糊感，如果讲得通的话？” 关于自己作品的风格，Steven在官网上用“迷幻流行”（Psychedelic-Pop）来定义他的视觉语言。
Steven Harrington, <阴阳系列>, 2019, 布面丙烯
“好莱坞”毫无疑问是洛杉矶重要的文化象征；但在Steven的作品中，可以看到另外一个关于洛杉矶或者说是加州的符号：棕榈树。Steven将棕榈树以卡通的形象展示在公众面前，赋予它一种拟人化的性格，对艺术家而言，棕榈树不仅是加州的象征，更代表着“生命本身”。Steven作品中另外一个经典形象“Dog Mello”则代表着艺术家的“潜意识”。
做为一个在“加州阳光”下成长的艺术家，Steven也把那里的“温度”表现在作品的色彩上，由明亮纯色构成的画面是他视觉风格中最显著的一个特征。
Steven Harrington, <Magic Hour 1>, 2019, 布面丙烯
Steven Harrington, <Magic Hour 2-3>, 2019, 布面丙烯
Steven Harrington, <Troubles Ouside Series>, 2019, 布面丙烯
以下就是我们相距约10032公里，跨越15个小时时差，从北京连线洛杉矶的一次“高温”对话。
在艺术家、插画师和设计师当中，你最认同哪一个身份？
STEVEN：是的，说实话，我也是刚刚才认同“艺术家”这个身份的。之前，我一直试图去回避有关“身份定义”的话题，但现在“艺术家”听上去有一种完美的模糊感，如果它讲得通的话？
洛杉矶是美国电影工业和流行文化的重镇，做为一个“土生土长”的加州人，LA的氛围如何潜移默化地影响着你对艺术的理解？
STEVEN：没错，我是在洛杉矶出生、长大的。就像你说的那样，“好莱坞”是这座城市的一个象征，电影工业是这里的支柱，还有随处可见的明星。但对居住在这里的人而言，加州的“阳光”是影响我们日常生活的最直接要素。
在洛杉矶，一年中有340天的强光照直射，平均温度在80华氏度，四面环海，距离内陆只有30分钟的路程。
我觉得洛杉矶的气候就是对我作品影响最大的因素：色彩。
Steven Harrington, <Anxiety Series>, 2019, 布面丙烯
你是从什么时候开始明确要成为一名艺术家的？
STEVEN：我是这样想的：从我们一出生开始，就可以被看做是“艺术家”。小的时候我们就会用彩铅、马克笔、铅笔和笔刷，我也是普通群体的一员，并没有某种强烈的驱动力。就这样，从小学一直画画到中学，进入到高中后，我才明确自己未来的方向，上大学后就开始系统化地学习艺术/设计/插画。所以，才有了你们现在看到的我，一直都还在这个旅程中。
“棕榈树”和“Dog Mello”是你作品中两个最经典的视觉形象，它们的灵感来自于哪里？各自代表什么？
STEVEN：“Dog Mello”代表我的“潜意识”。他可以说任何他想说的话，做任何他想做的事。 他就像是一个“工具”去讲述我内心的全部想法，可以是艺术、政治、当代社会、个人经验或者是那些发生在我身边的事。而且他非常地了解自己，知道何时出现在画布上，何时使用在商业广告中。他同时也有“调皮”的性格，最近一直跟在我身后，出现在一些大幅作品中。
“棕榈树”的话，我认为它代表着“生命本身”。
Steven Harrington, <Raw Canvas Series>, 2017, 布面丙烯
你作品中的叙事逻辑是什么？最想表达哪些观点呢？
STEVEN：我会在很多作品中设计一些故事情节；换句话说，我喜欢用一种杂乱无章的场景去呈现这些故事。观众也许不会在第一眼或者第二眼时，就注意到这些情节，但我却非常喜欢这种绘画或者说是艺术的语言。
我一直希望可以通过作品去引导观众，将他们带入到自己所喜欢的那个语境中。其实，我发现在生活中很难得到准确的答案，在绘画的理解上也是同样的。
Steven Harrington, <伊甸园>展览现场, 2017, 洛杉矶
除了“棕榈树”和“Dog Mello”，你未来会去创造其他的视觉形象吗？
STEVEN：是的，我正在创作中。
在不断尝试的过程中，你遇到哪些挑战?
STEVEN：每天都有新的挑战，但这就是有趣的地方。如果失去挑战的话，我可能就会停止反思自己，现在我会试图让一切变得更完美。
哪次展览或者合作经历最让你感到兴奋？
STEVEN：刚在洛杉矶的那次个展《Magic Hour》就是目前为止让我感到最兴奋的。前后准备了差不多两年半的时间，每天都有大量的工作要完成，NIKE也给予了我很大的支持，这应该是我收获最多的一次经历吧。
一共展出了超过50件最新的绘画、纸本和雕塑作品，展览中还同步发售了与NIKE联名的一系列球鞋。
Steven Harrington <Magic Hour>洛杉矶个展现场, 2019
说到“联名企划”，除了NIKE，你之前与很多品牌合作过，像KITH、Colette和Beats等等。。。在跨界合作中，你认为最有意思的地方是什么?
STEVEN：跨界合作最有趣的地方就是让我可以跳出“安全地带”。换句话说，在合作的过程中，我不再只是研究自己的想法和艺术语言。大多数的品牌都会在自己的Logo、卡通形象和视觉符号中体现他们强大的基因（DNA）。所以，我通常会在跨界合作中摒弃一些固有的元素，去创作那种让我感到惊奇的视觉符号。
Steven Harrington × Nike Earth Day 2019
你认为跨界合作与自己的作品之间存在冲突吗? 需要经常去找到一个“平衡点”吗？
STEVEN：是这样的，我认为我自己的作品是一部“个人诗集”或者是某种价值观的体现。当我在做自己的作品时，这个过程是一种很个人的行为，会映射出我的一些真实经历。
但在跨界合作中，通常会有一个特殊的环节促使我去重新思考全部的议程和创作方式。但最终，我的那些想法还是会呈现在画面上，在很多人眼里，这两者的区别体现的并不是十分明显，但对我而言，它们是有明确的界限的。
Steven Harrington, "GOTCHA" Sculpture, 2019
Steven Harrington × BBC ICECREAM: Cosmic Cone, 2019
在过去的几年里，你体会到最大改变是什么？
STEVEN：我体会到最大的改变就是：理解 —— “我怎样去适应现在的环境”。我们在过去的几年里收到过很多邀请和非常诱人的机会，但并没有那么容易和所有人说“Yes”。现在，我会更专注于团队合作，在大家的共同协作下去实现一些我们喜欢的想法。
接下来你有哪些计划吗?
STEVEN：我正在计划与美术馆的合作，暂时还是先保密吧，保持联系！
IP制造者：M2 Station
采访撰文：佳琪、Kiki、小麦
图片致谢：Steven Harrington
排版设计：MavErick
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